Par-Impar

Los críticos de esRadio repasan los secretos y anécdotas de la mítica cinta de lucha de 1988 protagonizada por la estrella belga.

En una nueva entrega del programa Par-Impar, charlamos con el periodista y escritor Lorenzo Ayuso sobre su obra titulada Van Damme: El hombre de Vitruvio, publicada por Unión Editorial. Este libro es un profundo y serio análisis enciclopédico sobre la trayectoria cinematográfica del actor belga Jean-Claude Van Damme, alejándose del tono de parodia que a menudo rodea al actor para reivindicar su importancia dentro del cine de acción de las décadas de los ochenta y noventa. Y lo hacemos a través de uno de sus primeros éxitos: la película Contacto Sangriento.

El núcleo de la conversación gira en torno a los inicios de la carrera de Van Damme y su estrecha relación con la mítica productora Cannon Films, liderada por Menachem Golan e Yoram Globus. Se detalla la famosa anécdota de cómo el actor consiguió llamar la atención de Golan dándole una patada por encima de la cabeza en la entrada de un restaurante. Asimismo, se desvela el engaño que realizó el belga al asegurar que era el villano principal de la película Depredador, ocultando que había sido despedido, lo que facilitó que consiguiera el papel protagonista en la emblemática cinta de artes marciales Contacto Sangriento.

Los participantes del programa analizan la capacidad de Van Damme para convertirse en el mejor narrador de su propia vida. Según explica el autor del libro, el intérprete belga ha dedicado gran parte de su carrera a moldear su biografía personal para construir un personaje casi mitológico, dotado de un hambre de éxito voraz y un compromiso absoluto con los rodajes, llegando a entrenar de forma espartana antes de entrar a trabajar como redactor jefe en su vida diaria.

La charla se adentra en los entresijos técnicos de Contacto Sangriento, una película dirigida por Newt Arnold, un reputado ayudante de dirección de la época, y que contó con la dirección de fotografía de David Worth. Uno de los aspectos más sorprendentes del rodaje fue el caótico primer montaje, que carecía de ritmo y resultó ser un fracaso inicial. Fue el propio Van Damme quien, junto al montador Michael J. Duthie, asumió la tarea de remontar la película por completo para enfocar el ritmo de las escenas en la espectacularidad de los combates.

El magnetismo del actor con el público femenino también ocupa un espacio relevante en el análisis. A diferencia de otros héroes de acción musculados de la época, Van Damme poseía un atractivo físico y una sensibilidad que traspasaban la pantalla. El director de fotografía David Worth llegó a asegurar que el plano del trasero desnudo de Van Damme incrementaría las ventas en VHS de la película en más de cien mil copias, convirtiendo este tipo de encuadres en una seña de identidad ineludible en producciones posteriores como Soldado Universal.

El doblaje al español de la película es otro de los puntos fuertes comentados en el podcast. La dirección corrió a cargo del mítico Carlos Revilla, la voz original de Homer Simpson en España, y contó con las voces de José Luis Angulo doblando a Van Damme y de Ramón Langa interpretando al carismático Ray Jackson. Se rememoran frases icónicas que han quedado grabadas en la memoria colectiva de los aficionados al cine de videoclub de finales de los ochenta.

Finalmente, los locutores repasan la evolución del actor hacia producciones de grandes estudios de Hollywood, destacando su colaboración con el director Peter Hyams en películas como Timecop o la aclamada Muerte Súbita. Estos proyectos permitieron al actor desencasillarse de las artes marciales puras y adentrarse en un cine de acción mucho más sofisticado. La conversación concluye con las recomendaciones personales de los participantes, quienes ensalzan títulos como Cyborg, dirigida por Albert Pyun, o la célebre película de John Woo, Blanco Humano, considerada una de las obras cumbre de la filmografía del actor belga.

En compañía del cineasta Enrique Gato, que estrena nueva entrega de Tadeo Jones, hablamos de este gran clásico de Disney de 1991.

El programa de esRadio recibe esta semana a una de las figuras más importantes de la animación en España, el director Enrique Gato. Con motivo del inminente estreno de la nueva entrega de la saga Tadeo Jones, el cineasta se une a los micrófonos para analizar uno de los grandes hitos de la Walt Disney Company que marcó un antes y un después en su carrera y en su vocación: el clásico de 1991, La Bella y la Bestia. Gato rememora cómo este largometraje de animación tradicional supuso el punto de inflexión definitivo que le impulsó a querer comprender los entresijos de esta disciplina artística.

Durante la conversación, se destaca el extraordinario impacto que tuvo La Bella y la Bestia en el resurgir de la productora norteamericana a principios de los años noventa. Junto a títulos inolvidables como La Sirenita o El Rey León, la película consolidó una edad de oro de la animación caracterizada por la excelencia artística y técnica. Enrique Gato detalla la maestría del dibujo a mano y la introducción pionera de herramientas digitales, un trabajo titánico que requería la colaboración de cientos de artistas capaces de dotar de alma a cada fotograma.

Uno de los aspectos técnicos más fascinantes abordados en el audio es la escena del baile en el gran salón, donde se fusionó de forma magistral la animación en dos dimensiones con los primeros escenarios generados por ordenador --CGI--. Esta mezcla revolucionaria permitió realizar un movimiento de cámara virtual similar al de una grúa cinematográfica, algo completamente inédito para la época que asombró tanto a los profesionales del sector como al público general. Gato reflexiona sobre cómo, a pesar de la evolución tecnológica y del dominio actual de la animación digital en tres dimensiones, los tiempos de producción de un largometraje siguen rondando los cuatro o cinco años debido al carácter artesanal de este arte.

El director de Tadeo Jones explica detalladamente que en el mundo de la animación no existe margen para la espontaneidad o la improvisación durante el rodaje. Todo el metraje de la película debe estar meticulosamente planificado en el storyboard antes de comenzar la producción real, ya que cada minuto de metraje animado es sumamente costoso. Los guionistas procedentes de producciones de acción real a menudo se topaban con la frustración de ver cómo sus ideas debían adaptarse estrictamente a las posibilidades expresivas de los animadores, quienes actúan como los verdaderos constructores de la acción dramática y emocional de la historia.

La vertiente musical de La Bella y la Bestia es clave para entender su éxito imperecedero. La película se concibió bajo la estructura de un auténtico musical de Broadway, con composiciones de Alan Menken y letras de Howard Ashman que lograban expresar la psicología y evolución de los personajes sin caer en la cursilería. Temas memorables como Qué festín o la balada principal interpretada por Angela Lansbury elevaron el largometraje a la categoría de obra de arte. Enrique Gato reivindica la fuerza de estas composiciones y reconoce que su gran reto como director es alcanzar ese nivel de emoción orgánica en sus propios proyectos.

Finalmente, los participantes en el programa elogian el extraordinario doblaje al español de la cinta, dirigido por Camilo García y que contó con voces de la talla de Miguel Ángel Jenner y Jordi Brau. Esta versión en castellano sigue siendo la preferida de muchos espectadores debido a la asombrosa calidad de las interpretaciones, que rivalizan e incluso superan a las originales en matices emotivos. Enrique Gato concluye la entrevista animando a los oyentes a buscar los guiños y homenajes ocultos --los conocidos como easter eggs-- que ha introducido en su nueva película, prometiendo que el público español encontrará referencias muy cercanas a su cultura.

Con la autora de bandas sonoras Alba Torremocha hablamos de Williams, las pelis de extraterrestres de Spielberg y si todo va a pasar de verdad.

En esta nueva entrega cinematográfica en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios cuentan con la participación especial de la compositora de bandas sonoras Alba Torremocha. Durante la conversación, analizan en profundidad la trilogía de películas sobre extraterrestres dirigidas por Steven Spielberg: Encuentros en la tercera fase, E.T., el extraterrestre y un tercer análisis que vinculan a las recientes revelaciones ufológicas en el Congreso de los Estados Unidos. Los tertulianos debaten sobre si el célebre director utilizó estas producciones como una preparación o advertencia para la humanidad ante una futura revelación real.

El papel de la música, compuesta magistralmente por John Williams, es uno de los temas centrales del programa. Alba Torremocha destaca cómo Williams y Spielberg logran establecer una comunicación no verbal que trasciende el lenguaje ordinario. La música no es un mero adorno, sino la base misma de la empatía en la pantalla. Un claro ejemplo es el célebre motivo de cinco notas en Encuentros en la tercera fase, que sirve como el único puente de entendimiento entre los seres humanos y los visitantes alienígenas, demostrando que el arte puede ser un lenguaje universal.

Otro punto de debate es la evolución de la figura de la autoridad y del Gobierno a lo largo de las películas de Spielberg. En la primera de ellas, personajes como el interpretado por François Truffaut buscan activamente la comunicación y el entendimiento científico. Sin embargo, en E.T., el extraterrestre, el poder estatal se vuelve frío y amenazante, representado por científicos sin rostro que buscan diseccionar lo desconocido. Esta deshumanización gubernamental culmina en planteamientos donde el control de la información es absoluto, reflejando la desconfianza del director hacia las instituciones políticas.

Los participantes analizan también la figura del niño como el receptor ideal del contacto extraterrestre. Personajes como Barry o Elliot muestran una pureza emocional y una capacidad de amar sin condiciones que los adultos han perdido. Para Spielberg, los niños no sienten el miedo instintivo ante lo diferente, sino una curiosidad innata que facilita la conexión empática. Esta perspectiva subraya la idea moral de que la humanidad debe recuperar su inocencia y su capacidad de escuchar para afrontar los grandes cambios que están por venir.

Por el lado profesional, Alba Torremocha comparte valiosos detalles sobre su trayectoria en el sector del cine, habiendo trabajado en proyectos tanto en España como en Estados Unidos. La invitada analiza el proceso de colaboración entre los compositores y los directores de cine, señalando las diferencias de método que existen en la industria actual. Explica que, en muchas ocasiones, los cineastas utilizan referencias temporales de otras bandas sonoras para marcar el ritmo, aunque el verdadero reto consiste en capturar la esencia emocional de la historia y traducirla en notas musicales que aporten una nueva dimensión psicológica a las escenas de la película.

La charla concluye con una reflexión sobre la pérdida de personalidad de las bandas sonoras contemporáneas, que en ocasiones se limitan a ser meras texturas ambientales de fondo. Frente a esta tendencia, se reivindica el legado de compositores clásicos que, como Williams, dotaban a cada película de una identidad sonora única y memorable. Para los integrantes de esRadio, recuperar el valor de la música en el cine no es solo una cuestión de nostalgia, sino una necesidad para mantener viva la magia y la capacidad de conmover al espectador que Spielberg siempre defendió en sus historias de ciencia ficción.

Juanma y Dani conversan sobre la película The Descent, un perfecto ejemplo de horror fuertecito de la década de los 2000.

En esta entrega de nuestro espacio de cine en esRadio, Juanma González y Dani Palacios se adentran en las profundidades de la tierra para analizar una de las películas más emblemáticas del género de terror de la década de los 2000: The Descent, dirigida por el británico Neil Marshall. Estrenada en 2005, esta obra llegó en un momento en que el público seguía muy de cerca los pasos de su director tras el éxito de su anterior largometraje, Dog Soldiers. Los presentadores coinciden en que la película supuso un hito en el cine de horror de la época, destacando por su atmósfera asfixiante y un crudo retrato de la supervivencia humana llevado al límite.

La trama sigue a un grupo de seis amigas que deciden emprender una expedición de espeleología en una remota cadena montañosa. Sin embargo, lo que comienza como una actividad de aventura pronto se transforma en una auténtica pesadilla claustrofóbica. Dani y Juanma subrayan que, más allá de la amenaza física de las extrañas criaturas ciegas que habitan en la oscuridad, el verdadero motor de la tensión dramática es el tenso triángulo amoroso latente entre la protagonista, Sarah, su amiga Juno y el difunto esposo de la primera. Este conflicto psicológico fractura la supuesta solidaridad femenina desde el primer minuto, ofreciendo un retrato humano implacable, pesimista y carente de heroísmos idealizados.

Desde el punto de vista formal, los presentadores elogian la influencia de maestros como John Carpenter en el manejo del espacio claustrofóbico y la tensión sostenida. Marshall utiliza de manera magistral el formato panorámico para capturar tanto la inmensidad de los paisajes exteriores al inicio de la cinta como la opresión de los pasadizos subterráneos. Aunque gran parte de la película se rodó en plató, la iluminación —que transita desde tonos fríos y blanquecinos al estilo de Janusz Kaminski en Minority Report hasta la oscuridad absoluta salpicada por el rojo de las bengalas— consigue sumergir al espectador en un entorno absolutamente verosímil y terrorífico.

Otro de los aciertos técnicos comentados es la banda sonora compuesta por David Julyan, la cual evoca de inmediato las melodías trágicas de Howard Shore en El Silencio de los Corderos. Asimismo, se analiza el uso de la obturación de la cámara en las secuencias de acción dentro de la cueva, un recurso visual similar al empleado por Danny Boyle en 28 Días Después. Al aumentar la velocidad del obturador en condiciones de extrema subexposición, Marshall logra definir los movimientos de las criaturas de manera nítida e inquietante sin perder la oscuridad natural del escenario, una decisión artística sumamente arriesgada pero ejecutada con un éxito rotundo.

El debate se intensifica al analizar los diferentes finales de la película según el mercado en el que se distribuyó. Mientras que el estreno en Estados Unidos ofreció una versión editada en la que la protagonista logra escapar, el corte original europeo mantiene un tono de absoluto pesimismo en el que la huida resulta ser una mera alucinación de Sarah, atrapada definitivamente en la fosa. Para Juanma y Dani, este último final es el único coherente con el descenso a la locura y la deshumanización que sufre el personaje, quien termina convertida en una criatura tan salvaje como los propios monstruos de la caverna para asegurar su supervivencia.

Finalmente, los presentadores repasan la trayectoria de Neil Marshall, lamentando que su prometedora carrera se viera parcialmente truncada en años posteriores. In particular, rememoran el escándalo sexual que involucró a su pareja, la actriz Charlotte Kirk, y a altos ejecutivos de Hollywood, un suceso que ensombreció su estatus en la industria cinematográfica. Con todo, The Descent permanece como un clásico moderno del cine de terror, una joya de la transición entre el celuloide y el formato digital que sigue funcionando con una eficacia espeluznante casi dos décadas después de su estreno.

Analizamos la transgresora obra de Kevin Smith que rompió moldes en el cine independiente abordando la sexualidad sin la corrección política actual.

En este nuevo podcast de esRadio, Juanma González y Dani Palacios charlan con el dibujante el crítico Carlos M. Mira para analizar en profundidad una de las películas más emblemáticas del cine alternativo norteamericano de los años noventa: Persiguiendo a Amy, escrita y dirigida por el cineasta Kevin Smith en 1997. Los tertulianos comienzan compartiendo anécdotas de sus años de instituto y motes juveniles antes de entrar de lleno en materia cinematográfica. Para el invitado, esta cinta es, sin duda, su favorita del director de Nueva Jersey, destacando su profunda conexión con la Generación X y el estilo característico de producciones de la época.

La conversación aborda la complejidad de los personajes principales, interpretados por Ben Affleck (Holden), Jason Lee (Banky) y Joey Lauren Adams (Alyssa). Se destaca el ejercicio de autocrítica masculina que realiza el propio director a través de Holden, un hombre sensible pero cargado de prejuicios e inseguridades que acaba saboteando su propia relación sentimental. Los colaboradores analizan cómo la obra deconstruye los roles de género y expone la vulnerabilidad del hombre ante el amor y el miedo al qué dirán, presentando un contraste brutal entre el cómic comercial de superhéroes y el de corte más independiente.

Durante el análisis, se examinan escenas icónicas de la película, como la cruda declaración de amor de Holden a Alyssa dentro de un coche bajo la lluvia. Los tertulianos alaban la interpretación de Ben Affleck en esta etapa de su carrera, así como la magnífica y contenida reacción de la actriz protagonista, cuya mirada transmite una mezcla de dolor, enfado y madurez. El debate resalta el estilo de dirección rudimentaria de la cinta, que se apoya firmemente en los diálogos y en el talento de sus actores más que en el bajo presupuesto con el que contaban.

Un punto clave del programa es la comparación del desenlace de Persiguiendo a Amy con el de la oscarizada película La La Land. Los presentadores coinciden en que el final es un ejemplo de maduración personal, donde los protagonistas se reencuentran años después en una convención de cómics y se perdonan mutuamente con una mirada, asumiendo con resignación que su historia de amor ha quedado en el pasado pero que les ha servido para crecer. Asimismo, se comenta el inevitable distanciamiento de la amistad masculina entre Holden y Banky, reflejando una realidad muy habitual en las relaciones humanas cuando se rompen los lazos de juventud.

Para concluir, los participantes repasan la trayectoria del célebre director norteamericano, comentando títulos clave de su filmografía como Clerks, Mallrats y producciones posteriores como Jersey Girl o Tusk. También rememoran divertidas anécdotas de la industria, como el curioso rumor de que Michael Mann pudo haber dirigido El Indomable Will Hunting introduciendo bandas latinas en Boston. El programa cierra con la emisión de la canción Alive, interpretada por la propia actriz protagonista en el largometraje, consolidando un nostálgico y entretenido repaso al cine de finales del siglo pasado.