EL ARTE Y LAS ARTES

• Ángeles y demonios en el Arte | Ars Sonorus

  La imagen que a través de la Historia del Arte se transmite del cielo y del infierno como espacios en los que habitan ángeles y demonios, existen en casi todas las religiones, aunque con diferentes interpretaciones, desarrollarán una particular iconografía en el arte cristiano a partir del siglo IX. En la Edad Media, como en nuestros días, el significado de la palabra «cielo» englobaba tres conceptos: la esfera que rodea la tierra, el firmamento y el lugar donde se encuentra el Paraíso. Cada uno de estos aspectos presentará iconografías claramente diferenciadas. Frente al cielo, y según la concepción cristiana, el infierno es el lugar de penitencia de los pecadores, la cual consiste en la privación de la visión de Dios o en el sufrimiento de una serie de tormentos morales o materiales. La relación entre infierno-castigo viene avalada por dos textos: uno del Evangelio según san Mateo y otro del Apocalipsis. En el primero, al describir el Juicio Final, se afirma que el Hijo del Hombre sentenciará a los pecadores, situados a su izquierda, «a un castigo eterno». En el segundo texto, que también alude al Juicio de las Naciones, se habla del lago de fuego que «es la muerte segunda, y el que no se halló inscrito en el libro de la vida fue arrojado al lago de fuego». Esta asociación de conceptos con respecto al infierno transforma dentro de la cultura cristiana la tradicional noción sobre este, ya que en el resto de las religiones se identifica de manera genérica con el reino de los muertos y no como lugar de castigo de los impíos. Con este contexto en nuestra emisión de hoy compartimos con ustedes el tema: ÁNGELES Y DEMONIOS EN EL ARTE.

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• Arte erótico | Ars Sonorus

  El arte se ha vuelto la expresión del poder visceral, vital e inconsciente al que llamamos deseo; la sexualidad es solo una de sus muchas manifestaciones. En la historia del arte occidental, lo erótico ha estado oculto, ha sido ignorado o condenado desde hace mucho. Desde hace siglos, había que buscar representaciones del cuerpo desnudo en las obras mitológicas o religiosas; un simple seno; una Venus (diosa del amor y la belleza) desnuda en la antigua Roma, o Adán y Eva, eran símbolos del pecado en el paraíso. A lo largo de la historia han existido casos aislados de erotismo en el arte. Los frescos condenados de Pompeya, por ejemplo, mostraban erecciones y actos sexuales amplificados; los artistas de India, China y Japón tienen mucho tiempo retratando libre y bellamente escenas sexuales explícitas. La sexualidad se arraigaría en Europa mucho después, con el surgimiento de los libertinos. La Francia del siglo XVIII vio surgir las llamadas "pinturas indecentes" de artistas como Jean-Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard, así como la proliferación de los grabados eróticos (el equivalente a las fotografías pornográficas de la actualidad) que podían transportarse fácilmente u ocultas bajo el abrigo. El arte erótico asumiría un rol esencial e ineludible en la revolución artística del siglo XX. Paul Gaugin empezó sus coloridos desnudos tahitianos en la década de 1890 y Gustav Klimt y su protegido, Egon Schiele , abrieron brecha en la Viena de principios del siglo XX. Luego llegaron las pinturas de Picasso, de los surrealistas y de Balthus; las fotografías de Man Ray y de Mapplethorpe. Hasta apenas hace poco, el arte erótico se volvió realmente transgresor. Libre de las ataduras del mito, la religión y el academicismo, dando rienda suelta a la furia del deseo. Hoy compartiremos con ustedes la historia del ARTE ERÓTICO

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• La Catedral de Cuenca | Ars Sonorus

  Sintonía, energía y vibración. Estos son los tres elementos, que desde el punto de vista esotérico deben prevalecer siempre que nos disponemos a penetrar en un templo. Porque más allá de la creencia que profesemos, del estilo arquitectónico o las obras de arte que veamos en un templo, al entrar en él debemos realizar un esfuerzo por conectar con lo sublime, ese sutil y misterioso poder que impregna todo lo que el ojo advierte, pero que no siempre somos capaces de percibir. Al acercarnos a una Catedral debemos mirar con detalles su fachada, sus pórticos, sus arcos y sus bóvedas, aprehendiendo en una primera impresión el mensaje que el templo ofrece en su exterior, debemos dejarnos llevar por la intuición y los sentidos, recorriendo cada rincón, cada muro y cada esquina con ojos nuevos, con la inocencia de la mirada de un niño. La percepción e interpretación solo dependerá del interés y la sensibilidad del que contempla la obra. Hay una catedral gótica muy especial y única, por ser la primera que se construyó en España. Los maestros canteros franceses, sin duda, traídos por la Reina Leonor, esposa de Alfonso VIII, comienzan a ensayar el gótico por primera vez en territorio español, cuando se estaba aún construyendo al estilo románico. Esta catedral fue una apuesta de vanguardia y auténtico laboratorio del gótico en España. En el Ciclo Catedrales de Europa nuestro viaje lo haremos por la historia, simbología y arte en la CATEDRAL DE CUENCA.

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• Henri Toulouse-Lautrec | Ars Sonorus

  «He intentado plasmar la verdad sin idealizarla. Cuando mi lápiz se mueve tengo que dejarlo corre»r. Así nos cuenta el artista Henri de Toulouse-Lautrec. Quien nos presenta una pintura fuera de la ley, un arte profundo y enormemente innovador como respuesta a los problemas que sacudían al mundo del arte a finales del siglo XIX. En aquellas callejuelas que subían y bajaban en la que el vicio se mezclaban con el hambre y la enfermedad. Lautrec podía esconder mejor que en otros sitios, su propia deformidad y, a pesar de compartir la vida sin esperanza de sus desafortunados compañeros de calle, le resultaba igualmente posible distinguirse de ellos por su clase, su cultura y presumir en ambos campos, de una superioridad y un dominio que le permitía compensar sus frustraciones. Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa, pintor y cartelista, bohemio, de 1,52 m. de altura, minusválido, alcohólico, ave nocturna, provocador, depresivo, sifilítico… Un aristócrata que se consideraba a sí mismo cronista social pintando al pueblo y a la noche de la Belle Epoque parisina, incluidas las prostitutas, que frecuentó y amó. En definitiva, uno de los mejores artistas del arte moderno francés. Hoy compartimos con ustedes la vida y obra de este irreverente y genial artista.

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• La melancolía en el Arte | Ars Sonorus

  Desde la época de la Antigua Grecia, la melancolía ha sido sujeto permanente de debate y reflexión en la historia de nuestra civilización. Estudiada por disciplinas de toda índole, desde la medicina, la astrología o el arte, ha sido considerado un tema intrínseco a la condición humana más universal y, al mismo tiempo, eminentemente personal; no perteneciente al campo de la holística, ni de la ontología social, sino resguardada en los recovecos más inhóspitos y menos translúcidos del alma humana, en aquella parte más exclusiva de la individualidad y de la autoconciencia que delimita los siempre ambiguos y permeables —pero existentes— confines entre el yo y los otros, entre el yo interior y profundo, y el mundo exterior. La melancolía observada per se y no por sus efectos circundantes, deviene un sucedáneo particular del solipsismo en su terreno emocional y no doctrinal: una afección insondable de recogimiento en la intimidad de uno mismo que desemboca en una especie de impasibilidad y desentendimiento con el mundo exterior. Una carencia de toda posibilidad de trascender el ámbito subjetivo del propio yo. Un sentimiento que habita en el dominio privado y recóndito de la soberanía individual. A lo largo de la humanidad, la melancolía ha ido variando en importancia y diagnóstico según los periodos históricos y las élites dominantes, pero se ha mantenido de forma más o menos constante en las artes, como fuente de influencia y de creatividad. En este contexto compartimos con ustedes un tema muy particular, la MELANCOLÍA EN EL ARTE.

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