Arte Sonoro

Adentrándonos en el corazón del siglo XX, observamos cómo los artistas plásticos dieron un giro audaz al incorporar el sonido como una dimensión esencial en sus creaciones. Las vanguardias artísticas abrieron el camino, y bajo su influencia, surgió una comunidad de artistas que exploraron y experimentaron con materiales, formas y espacios en un contexto totalmente nuevo.
Dentro de este panorama, una serie de creadores  se destacaron al llevar la experimentación sonora a terrenos inexplorados. Aunque no provenían del mundo musical, estos artistas plásticos abrazaron la libertad creativa que les permitió romper con las tradiciones y cánones musicales. Su enfoque en la morfología y textura de los elementos sonoros les condujo a explorar lo que hoy conocemos como la tímbrica, un componente esencial de la música.
Luigi Russolo, un pionero futurista, es uno de los nombres centrales en esta odisea sonora. Entre 1910 y 1930, construyó ingeniosas esculturas sonoras llamadas "entona-ruidos", dispositivos que, mediante palancas y manivelas, generaban cautivadores sonidos. Estas creaciones, en esencia, prefiguraron la música "noise" y marcaron el inicio de una nueva era sonora.

Creado por @saragapi

En este capítulo vamos a explorar la obra de Tim Hecker, un destacado músico y artista sonoro, mientras viajamos por la evolución de su estilo y su influencia en la escena musical contemporánea. A través de su música, Tim Hecker ha logrado trascender las barreras del género y ha creado un sonido único y evocador con su capacidad para mezclar elementos, explorar nuevas texturas y navegar entre distintos ritmos para crear una música tranquila e inspiradora, teniendo un impacto, así sea sutil, en la vida de quienes le escuchan. Hoy les acompaña Sara Gaviria Piedrahíta para escuchar parte del trabajo de Tim Hecker.

Uno de sus primeros álbumes, Rave Death 1972, captura la esencia de la obra de Hecker con capas de texturas y sonidos ambientales que van creciendo y tratan de crear una escena emocionalmente poderosa. Una de las pistas de este álbum que vamos a escuchar se llama In the Fog (número uno en la niebla), un título que hace referencia a un libro del siglo XVIII que hablaba de la niebla y cómo esta estaba ligada a eventos misteriosos que ocurrían en la noche. Él se inspiró en ese libro y en esa sensación sobre las cosas que no están completamente formadas, que se desvanecen, que son transparentes y difíciles de entender. Vamos a escuchar de Rave Death 1972 la pieza In the Fog.

Tim Hecker, el músico canadiense del cual estamos hablando hoy, antes de dedicarse a este tipo de música estuvo involucrado en bandas de metal y en la escena del ruido. Durante ese tiempo experimentó con el metal, intervenciones digitales, el uso de pedales y la distorsión del sonido, pero en algún momento se cansó de eso y quiso interesarse en los aspectos más trascendentales de la intensidad del sonido. Dejó su trabajo en el metal y se dedicó a un doctorado para investigar los orígenes históricos del sonido, de los ruidos muy altos y muy bajos, y cómo muchas personas a lo largo de la historia han buscado reducir el ruido, como en investigaciones para hacer ciudades más grandes y silenciosas. Esto lo llevó a generar efectos musicales capaces de explorar experiencias casi divinas. De esa búsqueda surgió el álbum Virgins, que combina elementos de música clásica y electrónica para crear paisajes sonoros. Parte de este álbum fue grabado en una iglesia. Vamos a escuchar de Virgins las piezas AMP, Drunks y Harmonium.

Estamos en arte sonoro, escuchando parte del trabajo de Tim Hecker. Él nos sumerge en un mundo fascinante de sonidos y texturas sutiles que desafían otros estilos de música. Invita a abrazar la sombra, la niebla, lo desconocido, creando paisajes muy emocionales. En uno de sus álbumes, Harmony in Ultra Violet, mezcla ruido estático con melodías sutiles, creando un ambiente atmosférico lleno de tensión y misterio. Vamos a escuchar Chimeras, de Harmony in Ultra Violet.

La fascinación de Tim Hecker por la manipulación y experimentación del sonido se refleja en el uso de diversas técnicas y herramientas, en cómo interactúa con patrones, los altera y abraza lo inesperado. En una entrevista mencionó que no solo piensa en música, sino en arte en general, como la pintura y la escultura, intentando traducir ese arte a sonidos. A veces resulta en cosas fascinantes y otras en verdaderos desastres, pero él lo ve como parte de su proceso creativo.

Creado por: Sara Gaviria Piedrahita

@saragapi

Bienvenida al mundo del arte sonoro, un espacio donde el sonido trasciende lo convencional para convertirse en una experiencia inmersiva y transformadora.

Hoy, el enfoque está en Luigi Nono, un compositor fundamental de la música contemporánea del siglo XX, conocido por su innovación técnica y su profundo compromiso político y social.

La multifocalidad, un concepto central en el arte sonoro, se refiere al uso de múltiples fuentes de sonido o canales de audio para crear una experiencia auditiva envolvente. Este enfoque permite al oyente percibir la composición desde diferentes ángulos, enriqueciendo la interacción sensorial. Nono adoptó esta técnica en muchas de sus obras, logrando que el espacio se convirtiera en una variable estética crucial, transformando la experiencia auditiva más allá de los límites del concierto tradicional.

Nacido en Venecia en 1924, Luigi Nono fue un pionero de la música electrónica y experimental. Desde sus estudios en el Conservatorio de Venecia y bajo la tutela de figuras como Bruno Maderna y Hermann Scherchen, Nono desarrolló un estilo distintivo que lo llevó a la vanguardia de la música serial y aleatoria. Su debut público en 1950 con Variazioni Canoniche, una obra basada en un tema de Arnold Schoenberg, marcó el inicio de una carrera caracterizada por su radicalidad artística.

Entre sus obras destacadas se encuentra Per Bastiana Tai-yang Cheng (1967), una pieza que combina grupos instrumentales tocando en cuartos de tono con cinta magnética, demostrando su maestría en la fragmentación sonora y la multifocalidad. Este enfoque lo llevó a repensar la sonorización de espacios y a cuestionar la necesidad de intérpretes en directo, abriendo camino para nuevas formas de escuchar y experimentar la música.

El compromiso político de Nono fue una constante en su obra. Declarado comunista y miembro activo del Partido Comunista Italiano, muchas de sus composiciones abordaron temas como el antifascismo, la guerra nuclear y la justicia social. Obras como Intolleranza 1960 (1961) y Sul ponte di Hiroshima (1962) son ejemplos de cómo integró su activismo en su música, utilizando el sonido como herramienta para la reflexión crítica.

Además de su activismo, Nono realizó contribuciones significativas a la música electrónica. Piezas como La Fabbrica Illuminata (1964) y A Pierre: Dell'azzurro silenzio, inquietum (1985) exploraron las posibilidades del sonido grabado y manipulado, consolidando su reputación como un innovador en el ámbito sonoro.

Luigi Nono transformó la manera en que entendemos y experimentamos la música, fusionando estética, política y tecnología. Su legado sigue vivo, recordándonos la capacidad del arte para desafiar límites, conectar historias y provocar cambios significativos en nuestra percepción del mundo.

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Horror gótico, brujería, sangre, vampiros, ciclos lunares y hasta viajes en el tiempo: todos estos elementos componen el sexto álbum de estudio de Jenny Hval: Blood Bitch, una historia sobre vampiros y sangre.

Hoy escucharemos el trabajo de Jenny Hval, principalmente de su álbum Blood Bitch, una historia sobre vampiros y sangre.

Jenny Hval, nacida en 1980, es una compositora, cantante y novelista noruega.

Jenny empezó a aprender música a los seis años, cuando tuvo su primer piano.

Creció en Oslo y luego se mudó a Australia para especializarse en música creativa y performance. Aunque en un principio Jenny estuvo más interesada en la escritura creativa se interesó por la música a través de la conexión entre sus propias palabras y el sonido. Sus composiciones tienen a la voz, en sus distintas expresiones, como elemento central. Jenny entiende cantar como una especie de sacrificio, de darse y abrirse a sí misma.

Empezó su carrera musical como vocalista de la banda de metal gótico Shellyz Raven hasta 1999. Lanzó dos álbumes de estudio bajo el nombre de Rockettothesky, con sonidos oscuros y cautivadores, y finalmente empezó a publicar álbumes bajo su propio nombre en 2011. La música de Jenny Hval se sitúa entre el avant-garde, el art pop, el folk experimental, el noise y el metal.

LES ACOMPAÑA SARA GAVIRIA PIEDRA

Viscera (2011) fue el primer álbum que Jenny Hval lanzó bajo su propio nombre. Desde este álbum, Jenny empieza a mostrar su interés creativo por la sangre y el cuerpo como un lugar de exploración. Así, en sus narraciones, se adentra en lo visceral, describiendo cómo sus órganos caen de sí misma: lo interno se convierte en lo externo. 

De Viscera, escucharemos Blood Flight, una canción en donde se puede escuchar la inspiración que Jenny Hval toma de elementos del folk.

Blood Bitch, lanzado en 2016, fue su sexto álbum de estudio. Para este álbum, Jenny Hval se aleja de sus inicios más oscuros en el noise y el metal y toma un sonido más cercano al art-pop. Aunque Hval ya se había interesado antes en su obra por el tema de la sangre, en este álbum crea una historia que reflexiona sobre la sangre desde distintos matices: como elemento ritual, desde la experiencia de la menstruación y a través de las historias de vampiros. Jenny describe Blood Bitch como un álbum conceptual sobre un vampiro que viaja en el tiempo y su deseo por la sangre. 

Escucharemos In the red, una canción en donde Jenny Hval crea una atmósfera de suspenso e inquietud con los ritmos ascendentes del jadeo de una voz femenina.

Para la creación del álbum Blood Bitch, Jenny Hval se inspiró en las películas de terror de los 70’s y el cine de explotación. El cine de explotación fue un género de películas desarrollado principalmente entre los años 50 y 70 que se enfocaba en temas tabú, a menudo con baja producción y bajo presupuesto. De estas influencias, Jenny Hval toma las imágenes de vampiros y de sangre como fuente para su proceso creativo. Pero además, Jenny Hval creó el personaje del vampiro, protagonista del álbum, con el nombre de Orlando, inspirada en la novela de Virginia Woolf del mismo nombre, sobre un personaje que viaja a través del tiempo y cambia de género. De una forma similar, Jenny aborda el tema de la eternidad en la vida de los vampiros.

A través de todas estas imágenes, Jenny Hval crea una historia que es para ella la más ficticia que ha creado, pero a la vez la más personal. 

En Untamed region Jenny Hval cuenta la historia de su primer encuentro con la sangre y el deseo de explorar y marcar sus pertenencias con ella. En esta canción, Jenny une narración hablada y canto para crear una atmósfera hechizante.

Con un tono más misterioso y oscuro, Jenny Hval evoca la atmósfera de una pesadilla: con jadeos, voces que se sobreponen, grabaciones cortadas, gritos, sonidos de retroalimentación de altavoces y grabaciones de campo.

Libreto por Ángela Gaviria

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La música de terror se ha desarrollado como un campo muy especializado y característico de la experimentación musical gracias a la necesidad del cine de terror, horror y suspenso por buscar los sonidos más propicios para crear atmósferas inquietantes. Aunque las películas de terror empezaron siendo mudas, el acompañamiento musical se ha convertido en un elemento fundamental en el cine de terror para lograr un efecto más envolvente en el espectador.

El theremín, también conocido como eterófono, fue uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, creado por el físico ruso Léon Theremin en 1920.

Se caracteriza porque se toca sin tener contacto físico con el instrumento, sino solamente acercando y alejando las manos en distintas posiciones concretas. La creación del sonido se da ya que el movimiento de las manos del intérprete en el campo electromagnético del instrumento altera la frecuencia que este reproduce. 

Más allá de su mismo funcionamiento, desde sus inicios, el theremín evocó sonidos misteriosos y espectrales. De hecho, se cuenta que cuando se empezó a utilizar en las orquestas, los asistentes se desmayaban del miedo porque pensaban estar escuchando espíritus. De ahí, se fue creando una reputación del theremín alrededor de sonidos embrujados y fantasmales, como bien se ha podido utilizar en bandas sonoras de películas de terror y ciencia ficción.

El waterphone fue un instrumento creado por Richard Waters en 1965, inspirado en el tambor de agua tibetano. Consiste en un plato cilíndrico de acero con varillas de bronce de diferentes tamaños a su alrededor, que se pueden tocar con fricción o percusión según el sonido que se quiera crear. Se ha utilizado para ambientar películas como Matrix y Star Trek, pero también para crear composiciones solistas.

Toshiyuki Hiraoka es un compositor japonés que, aunque se educó en música clásica y jazz y se desarrolló como guitarrista, también ha grabado álbumes de estudio teniendo como instrumento protagonista el waterphone. A continuación escucharemos Echo, una composición de Toshiyuki Hiraoka del álbum Waterphone.

The apprehension engine que quiere decir “La máquina del miedo”, también llamada The Nightmare machine / “La máquina de pesadillas”, Es un instrumento único, creado específicamente para producir sonidos aterradores. Mark Koven, compositor de sonidos para películas de terror, encontró la necesidad de un instrumento que pueda crear sonidos mucho más aterradores sin necesidad de recurrir a muestras electrónicas. Mark Koven dice en una entrevista:

Encargué la “Máquina de pesadillas” porque estaba cansado de las mismas muestras digitales, que terminaban en una especie de monotoneidad en las películas de terror. Estaba buscando algo más experimental y acústico que pudiera darme un sonido más original.

Para crear este instrumento, Mark Koven se unió con Tony Duggan-Smith, fabricante de guitarras. Este instrumento se compone de varias reglas de metal, una caja de reverberación y cuerdas frotadas por un mecanismo de rueda similar al de la zanfoña, entre otros elementos que le dan la versatilidad necesaria para crear todo tipo de sonidos inquietantes. Este ha sido utilizado para ambientar películas como La bruja y El faro.

La búsqueda de nuevos sonidos, no solo para ambientar las películas de terror, sino también para evocarlo por sí mismos, ha impulsado la innovación y experimentación en la música, ya sea mediante instrumentos que por accidente han causado terror como el theremín, instrumentos diseñados específicamente para ser inquietantes como la máquina de pesadillas, o instrumentos tradicionales interpretados de formas novedosas, como la guitarra, la zanfoña e incluso la voz.