Distancia Hiperfocal, Fotografía de Paisaje y Viajes

En este episodio hablamos sobre la importancia de la creatividad en fotografía de paisaje, más allá del equipo fotográfico.

 

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

CREATIVIDAD MÁS ALLÁ DEL EQUIPO FOTOGRÁFICO

En este episodio de Distancia Hiperfocal, Roger Vivé y yo reflexionamos, sobre una idea muy extendida —y a menudo equivocada— en fotografía de paisaje: pensar que la creatividad depende directamente del equipo que utilizamos. A lo largo del episodio defendemos que la verdadera evolución fotográfica no viene de cambiar de cámara u objetivo, sino de cambiar la forma en la que miramos, interpretamos y afrontamos cada salida fotográfica.

Hablamos de cómo obsesionarnos con el material puede frenar nuestro crecimiento creativo y de por qué centrarnos en la experiencia, la curiosidad y la toma de decisiones conscientes nos ayuda a desarrollar una fotografía más personal y coherente.

PUNTOS CLAVE TRATADOS EN EL EPISODIO

El mito del equipo como motor creativo: Tener mejor material no garantiza mejores fotografías. La creatividad nace de la mirada, no del equipo.

Limitaciones autoimpuestas: Cuando atribuimos nuestros resultados al material, dejamos de asumir responsabilidad sobre nuestras decisiones creativas.

La importancia de la experiencia: Salir al campo, observar, equivocarse y repetir es lo que realmente construye criterio fotográfico.

Conocer a fondo lo que ya tienes: Exprimir tu equipo actual te obliga a pensar más, a buscar soluciones y a ser más creativo con los recursos disponibles.

Curiosidad como motor creativo: Hacerse preguntas, probar encuadres distintos o cambiar la forma habitual de fotografiar activa nuevos procesos creativos.

Desarrollar un estilo propio: El estilo no se compra; se construye con el tiempo, la coherencia y la repetición consciente de decisiones.

Compararse menos, observar más: Mirar constantemente el trabajo de otros sin analizarlo puede generar frustración y bloqueo creativo.

CONCLUSIONES

La creatividad en fotografía de paisaje no depende del equipo, sino de cómo afrontas cada sesión. Centrarse en la experiencia, la observación y la toma de decisiones conscientes permite crecer como fotógrafo, disfrutar más del proceso y construir una fotografía más personal y honesta.

FOTOS DE RAFA IRUSTA

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Apple iPhone 12 Pro Max

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Canon EOS 40D + EF 16-35mm f/2.8L II

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Apple iPhone 15 Pro Max

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Canon EOS 350D + EF 70-200mm f/4L 

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Canon EOS 40D + EF-S10-22mm f/3.5-4.5

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Apple iPhone 15 Pro Max

© Rafa Irusta – Cámara utilizada: Apple iPhone 12 Pro Max

FOTOS DE ROGER VIVÉ

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Apple iPhone 4S

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Sony A7III, aplicando vaho sobre el frontal del objetivo

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Nikon D5300 + Tamron Macro

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Apple iPhone X

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Nikon Coolpix S6000, impresa a 60 x 45 cm

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Nikon D5300 + Tamron 18-270mm

© Roger Vivé – Cámara utilizada: Sony A7III

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En el episodio de hoy debatimos sobre la relación entre larga exposición y minimalismo en Fotografía de Paisaje.

 

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RELACIÓN ENTRE LARGA EXPOSICIÓN Y MINIMALISMO

En este episodio de Distancia Hiperfocal, Roger Vivé y yo reflexionamos sobre la estrecha relación que existe entre la larga exposición y el minimalismo en fotografía de paisaje. No porque una implique automáticamente la otra, sino porque ambas comparten un mismo objetivo: simplificar la escena para reforzar el mensaje visual. A lo largo del episodio analizamos cuándo esta combinación funciona realmente, cuándo no, y qué papel juegan la intención, la composición y el tiempo en la construcción de imágenes minimalistas con carga emocional.

Hablamos de cómo las prisas generan estrés, decisiones precipitadas y composiciones poco meditadas, y de cómo disponer de tiempo nos permite observar mejor, conectar con el entorno y reaccionar ante cambios inesperados de luz.

PUNTOS CLAVE TRATADOS EN EL EPISODIO

Qué entendemos por minimalismo en fotografía de paisaje: El minimalismo no consiste en eliminar elementos sin criterio, sino en tomar decisiones conscientes sobre qué debe permanecer en la imagen y qué debe desaparecer. Se basa en pocos elementos, sujetos claros y una lectura visual inmediata.

Cómo la larga exposición refuerza el lenguaje minimalista: La larga exposición actúa como una herramienta que ayuda a limpiar la escena, suavizar elementos secundarios y aislar al sujeto principal, especialmente en agua, nubes, arena o vegetación en movimiento.

Reducción del ruido visual: Al alargar el tiempo de exposición, se eliminan texturas y detalles innecesarios que distraen, permitiendo que el sujeto destaque con mayor fuerza dentro de la composición.

Contraste entre lo estático y lo dinámico: Uno de los grandes valores de la larga exposición es reforzar el contraste entre elementos fijos (rocas, árboles, construcciones) y elementos en movimiento, generando imágenes más equilibradas y contemplativas.

Cuándo funciona bien esta combinación: Funciona especialmente bien cuando el sujeto es claro, reconocible y está bien aislado, y cuando la escena de partida ya es relativamente simple.

El papel del tiempo en la imagen: El tiempo no siempre se “ve”, pero se siente. La larga exposición transforma el movimiento en algo abstracto y sugiere calma, silencio y pausa, invitando al espectador a detenerse en la imagen.

Riesgos y errores habituales: Aplicar larga exposición no convierte automáticamente una imagen en minimalista. Un exceso de tiempo puede eliminar demasiada textura, aplanar la imagen o incluso hacer desaparecer el sujeto. Minimalismo no es sinónimo de vacío.

Minimalismo con intención: La clave está en la intención. No se trata de usar siempre filtros densos o exposiciones extremas, sino de adaptar el tiempo a la escena y al mensaje que queremos transmitir.

Importancia de la composición: En imágenes minimalistas, cualquier error compositivo se percibe mucho más. La colocación del sujeto, el uso del espacio negativo, el equilibrio visual y la gestión del horizonte son fundamentales.

Duración de la exposición: No siempre es necesario usar tiempos muy largos. En muchas situaciones, unos segundos son suficientes para lograr el efecto deseado. Alargar el tiempo sin necesidad no aporta valor y puede jugar en contra.

El procesado al servicio de la simplicidad: El revelado debe acompañar la idea de calma y limpieza visual: contrastes suaves, tonos controlados, transiciones delicadas y eliminación de dominantes de color que distraigan.

Ejemplos prácticos y debate: Analizamos varias fotografías reales para debatir cuándo una imagen puede considerarse minimalista y cómo pequeñas variaciones de textura, cielo o horizonte cambian completamente la percepción.

CONCLUSIONES

La larga exposición es una herramienta muy potente para trabajar el minimalismo en fotografía de paisaje, pero solo funciona cuando se utiliza con intención y criterio. No se trata de borrar el paisaje, sino de simplificarlo para que lo esencial respire, reforzando el sujeto y el mensaje que queremos transmitir. Minimalismo y larga exposición se complementan muy bien, siempre que sepamos cuándo, cómo y por qué utilizarlas.

FOTOS DE RAFA IRUSTA

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Hoy hablamos sobre la importancia de llegar antes y quedarte después de una sesión de fotografía de paisaje.

 

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LA IMPORTANCIA DE LLEGAR ANTES Y QUEDARTE DESPUÉS DE UNA SESIÓN

En este episodio de Distancia Hiperfocal, Roger Vivé y yo reflexionamos, sobre un aspecto clave en la fotografía de paisaje que muchas veces se pasa por alto: el tiempo que dedicamos a la localización. Más allá de la planificación, la luz o el equipo, llegar con antelación y permanecer en el lugar incluso cuando parece que la sesión ha terminado puede marcar una diferencia enorme en el resultado final de nuestras fotografías.

Hablamos de cómo las prisas generan estrés, decisiones precipitadas y composiciones poco meditadas, y de cómo disponer de tiempo nos permite observar mejor, conectar con el entorno y reaccionar ante cambios inesperados de luz.

PUNTOS CLAVE TRATADOS EN EL EPISODIO

Qué significa realmente llegar antes: No se trata solo de estar en el lugar con antelación, sino de disponer de margen para caminar, observar el entorno, identificar composiciones y entender cómo puede evolucionar la luz.

Explorar sin presión: Llegar con tiempo reduce el estrés y permite descubrir encuadres, primeros planos y perspectivas que pasarían desapercibidas si llegamos justo en el momento “clave”.

Conocer la localización: Cuanto más tiempo pasamos en un sitio, más cómodos nos sentimos y mejor entendemos sus posibilidades. Esa familiaridad se traduce en decisiones más conscientes a la hora de fotografiar.

La importancia de quedarse después: Muchas veces damos la sesión por terminada demasiado pronto, cuando todavía pueden aparecer luces interesantes, reflejos, colores sutiles o atmósferas inesperadas.

Menos ansiedad, mejores decisiones: Fotografiar sin prisas nos permite pensar mejor las composiciones, elegir con calma focales, alturas de trípode y encuadres, y disfrutar más del proceso.

Errores habituales al llegar justo: Usar siempre la misma focal, repetir encuadres conocidos o conformarnos con “la foto de siempre” por falta de tiempo limita nuestra creatividad.

Adaptarse a la realidad de cada salida: No siempre es posible repetir localizaciones o dedicarles varios días, especialmente en viajes familiares, pero cuando se puede, el tiempo extra casi siempre aporta mejores resultados.

CONCLUSIONES

Llegar antes y quedarte después te permite fotografiar con más calma, reducir el estrés y conectar mejor con el lugar. Ese tiempo extra no solo aumenta las posibilidades de encontrar mejores fotografías, sino que también mejora la experiencia en el campo y favorece un proceso creativo más consciente y personal.

FOTOS DE RAFA IRUSTA

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En el episodio de esta semana repasamos algunos consejos para ejercitar tu creatividad en Fotografía de Paisaje.

 

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EJERCITANDO TU CREATIVIDAD EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

En este episodio de Distancia Hiperfocal, Roger Vivé y yo hablamos sobre cómo entrenar la creatividad en fotografía de paisaje. La creatividad no aparece por inspiración repentina, sino que es algo que se trabaja, se practica y se alimenta con observación, experimentación y mucha fotografía. Compartimos reflexiones, técnicas y ejemplos reales para ayudarte a desarrollar una mirada más personal.

PUNTOS CLAVE TRATADOS EN EL EPISODIO

La creatividad como proceso: No surge de forma mágica. Se desarrolla haciendo fotos, equivocándose y probando variantes de una misma escena. La repetición consciente refuerza la mirada.

Cultura visual: Ver mucha fotografía, cine, pintura o ilustración ayuda a entender composiciones, colores y atmósferas. Todo esto influye en nuestra forma de mirar.

Hacer primero las fotos obvias: Es normal que al llegar a un lugar hagamos las imágenes más evidentes. Una vez liberada esa presión, es más fácil avanzar hacia propuestas más personales.

Ejercicios de experimentación:

Movimiento intencionado de cámara (ICM).

Uso del teleobjetivo para buscar patrones y abstracciones.

Pruebas con diafragmas extremos o velocidades inusuales.

Explorar encuadres poco habituales o cambios de altura.

El dron como herramienta creativa: Aporta puntos de vista totalmente distintos y permite jugar con líneas, abstracciones y composiciones imposibles desde tierra.

Superar bloqueos: La pereza o la sensación de que “no hay foto” se combate trabajando. Caminar, observar detalles y cambiar de punto de vista suele desbloquear la creatividad.

Inspiración sin copiar: Ver trabajos de otros fotógrafos ayuda, siempre que lo adaptemos a nuestra mirada y no intentemos replicar exactamente lo mismo.

CONCLUSIONES

La creatividad no depende del equipo ni de lugares espectaculares: depende de nuestra capacidad de observar, experimentar y mantener una mente abierta. Cuanto más fotografiamos y más nos atrevemos a probar, más crece nuestra visión personal.

FOTOS DE RAFA IRUSTA

FOTOS DE ROGER VIVÉ

ENLACES COMENTADOS EN EL EPISODIO

La fotógrafa del vestido amarillo: Sarah Lyndsay Photography

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En el episodio de hoy repasamos el contenido que llevamos en nuestra mochila, tanto material fotográfico como accesorios.

 

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QUÉ LLEVAMOS EN LA MOCHILA

En este episodio de Distancia Hiperfocal, Roger Vivé y yo repasamos con detalle el equipo que llevamos habitualmente en nuestras mochilas cuando salimos a fotografiar paisajes. No se trata solo de cámaras y objetivos: hablamos también de accesorios, organización, estrategias para reducir peso y cómo adaptar el contenido según el tipo de salida.

PUNTOS CLAVE TRATADOS EN EL EPISODIO

Cámara y objetivos:

Llevamos una cámara principal full frame y un conjunto de objetivos que cubren desde angular hasta teleobjetivo. Normalmente incluimos: un zoom estándar (24-105 mm), un zoom angular (16-35 mm) y un teleobjetivo (100-400 mm). Dependiendo de la salida, en caso de hacer arquitectura, añado un objetivo descentrable Canon TS-E24mm.

Trípode:

El trípode es imprescindible en muchas situaciones, especialmente en fotografía con poca luz o exposiciones largas. Recomendamos uno estable y relativamente ligero, que se pueda transportar fácilmente pero que aguante condiciones adversas.

Filtros:

Llevamos siempre un polarizador para controlar reflejos y saturación, filtros ND para exposiciones largas y, en ocasiones, degradados dependiendo de la escena. Van organizados en una bolsa para evitar golpes.

Accesorios esenciales::

Disparador remoto o intervalómetro.

Paños de microfibra y gamuza para limpiar la lente.

Baterías de repuesto y cargador portátil.

Varias tarjetas de memoria y un estuche para mantenerlas organizadas.

Linterna frontal para trabajar de noche.

Pequeño botiquín.

Llaves Allen para el trípode.

Otros accesorios que citamos en el episodio.

Dron (cuando la salida lo justifica)::

En ocasiones llevamos el dron, con baterías adicionales, hélices de repuesto y el mando. Siempre revisamos las zonas de vuelo permitidas antes de salir.. 

Ropa y protección:

Aunque la mochila es fotográfica, siempre reservamos espacio para una chaqueta impermeable ligera, una funda de lluvia para la mochila y guantes si la climatología lo requiere.

Organización interna:

Cada elemento tiene su compartimento asignado para poder acceder rápido sin perder tiempo. Además, dividimos la mochila de forma que lo más pesado vaya cerca de la parte baja de la espalda para evitar molestias en caminatas largas.

CONCLUSIONES

La mochila ideal no es la que va llena, sino la que lleva lo que realmente necesitas para la salida que estás haciendo. Tener un equipo equilibrado, bien organizado y adaptado a cada situación te permite trabajar con fluidez, comodidad y, sobre todo, disfrutar más de la fotografía de paisaje.

EQUIPO FOTOGRÁFICO DE RAFA IRUSTA

 

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