Ars sonora

Continuamos nuestro doble monográfico dedicado a explorar algunas relaciones entre los medios electrónicos y los sonidos de percusión. Centrándonos ahora en un contexto europeo, pero recogiendo algunos de los ecos americanos que protagonizaron la emisión de la pasada semana, iniciamos este viaje con la música de un compositor argentino (nacido en La Plata en 1952) radicado desde hace décadas en París, Daniel Teruggi. En los estudios del GRM (Groupe de Recherches Musicales), que actualmente dirige el propio Teruggi, se desarrolló a principios de los años noventa del pasado siglo el Syter, un dispositivo que permitía aplicar en tiempo real algunos procesos de transformación del sonido propios de la música concreta desarrollada por Pierre Schaeffer en esa misma institución desde finales de los años cuarenta. El Syter, interpretado por el propio autor, se combina en “Syrcus” —de la que presentamos varios fragmentos— con las percusiones interpretadas por Florent Jodelet (a cargo de boobams y tambores udu africanos). Más cerca de nosotros, el compositor Andrés Lewin-Richter (nacido en Miranda de Ebro en 1937) nos propone una obra en la que los sonidos electroacústicos no están presentes directamente, pero sí constituyen un elemento fundamental del proceso compositivo. La pieza “Flauta-Metall” nos llega en la interpretación de Pilar Subirà, en la percusión, y Joan Izquierdo en la flauta dulce. Tampoco es convencional el uso de la percusión en la composición de Jonathan Harvey que incorporamos en nuestro panorama, si bien el sonido de la campana tenor de la catedral de Winchester sin duda debe clasificarse dentro de esa categoría. Transformados electrónicamente conforme a los principios del espectralismo, esos tañidos se metamorfosean en la voz de un adolescente en “Mortuos plango, vivos voco”. Este repaso —siempre parcial y tentativo— a un inacabable repertorio concluye con una obra del compositor ecuatoriano (si bien se trasladó a Alemania en su juventud) Mesías Maiguashca. Un fragmento final de sus “FMelodies II”, para cello (Gaby Schumacher), percusión (Peter Klinkenberg) y cinta magnética nos ofrece una aproximación a otro tipo de síntesis de sonido: la que se basa en la modulación de frecuencia (también llamada síntesis FM, de ahí el título de la obra)

En esta edición de  Ars Sonora  presentamos una selección de trabajos que exploran las relaciones entre los medios electrónicos y los sonidos de percusión. Estas composiciones, que pertenecen a diferentes momentos de la historia de la música reciente, de hecho nos pueden servir para recorrer algunas de las líneas de fuerza de esa historia, así como para detectar tanto algunos saltos como ciertas continuidades (bien estéticas, bien tecnológicas) que quizá conviertan esa historia en, más bien, una serie de pequeñas historias, todas ellas apasionantes. Los vínculos que trazó Karlheinz Stockhausen entre los sonidos electrónicos grabados en cinta y los timbres percusivos (porque también los que genera el piano podrían considerarse así) en su ya clásica obra, apropiadamente titulada “Kontakte” (1959/60), inician un trayecto que se prolongará durante dos emisiones monográficas. Presentamos una grabación histórica, con Christoph Caskel en la percusión y David Tudor en el piano y, de nuevo, la percusión. De la “elektronische Musik” germana pasamos a la “Computer Music” estadounidense. Los planteamientos conceptuales del serialismo integral se revelaron imprescindibles en el surgimiento de la música generada por ordenador. Escuchamos dos muestras de ello en sendas composiciones de Ercolino Ferretti: “Pipe and Drum” (1963) y “Trio” (1965). Continuando en la costa este de los Estados Unidos, pero tanteando otro registro del repertorio que aúna percusión y electrónica, escuchamos el segundo movimiento de “Against the Silence” (1985/86), de Thomas DeLio, en la versión del conjunto de percusión de la Universidad de Nuevo México (dirigido por Christopher Shultis) y con Clark Griffith en el piano. Finalmente nos desplazamos, dentro del mismo país, un poco al oeste, pues en la ciudad de Ann Arbor, en el estado de Michigan, el compositor Gordon Mumma fundó a principios de los años sesenta del pasado siglo el Festival ONCE, junto a Robert Ashley, George Cacioppo, Roger Reynolds y Donald Scavarda. Las obras allí presentadas a menudo empleaban la electrónica en vivo, e incorporaban elementos performativos y escénicos, actuando a menudo los propios compositores como intérpretes. Es el caso de “Meanwhile, a Twopiece” (1961), interpretada por su autor —Gordon Mumma— en la trompa y la percusión, y por Robert Ashley en el piano y la percusión. A ellos se suman los sonidos electrónicos en cinta magnética

Presentamos la traducción al español del libro "Deep Listening. Una práctica para la composición sonora", de Pauline Oliveros (1932-2016). Pionera de la música electrónica, compositora, intérprete de acordeón, investigadora y profesora, Oliveros dedicó su vida a desarrollar y enseñar la práctica conocida como "Deep Listening" o "Escucha profunda". También fundó, junto a Ramón Sender y Morton Subotnick, el San Francisco Tape Center, y ejerció su magisterio tanto en el Instituto Politécnico Rensselaer, en Troy (Nueva York), como en el Mills College de Oakland (California), además de organizar numerosos talleres y residencias específicamente enfocados a profundizar en las posibilidades de la escucha. Este sugerente texto ha sido publicado por la editorial valenciana EdictOràlia como fruto de un proyecto colaborativo entre admiradores de la obra de Oliveros, surgido de la iniciativa de Sergio Sánchez -quien nos acompaña en esta edición de Ars Sonora desde el centro territorial de RNE en Murcia- y Juan Jesús Yelo, con el apoyo y colaboración de la Asociación Intonarumori y el Laboratorio para la Investigación de Procesos Creativos Contemporáneos AD LAB. La edición de este libro ha contado con la implicación del músico, escritor y editor valenciano Josep Lluís Galiana, el traductor Francisco Campillo, el artista visual Paco Ñíguez -autor de la portada- y el diseñador gráfico Paco Vico. Por su parte, la librería madrileña El argonauta se encarga de la distribución del libro tanto en España como en el extranjero (si bien en algunos países de Latinoamérica está disponible otra reciente traducción de este texto, realizada por Alan Courtis -quien también firma el prólogo- junto con Juan P. Martese, y publicada -con el mismo título que la edición española- por la editorial argentina Dobra Robota). "Deep Listening. Una práctica para la composición sonora" recoge las ideas fundamentales del legado artístico y pedagógico de Oliveros. Se trata de un libro dirigido no solamente a compositores y artistas sonoros, sino también a intérpretes, estudiantes, docentes y, en definitiva, a cualquier persona interesada en profundizar en el fenómeno de la escucha creativa, consciente, y en comprender la música experimental de nuestra época. Desde esta perspectiva, la obra representa un compendio de maneras de escuchar y "sonar", que proporciona numerosas claves acerca de cómo nuestra consciencia puede verse afectada por la profunda atención al ambiente sonoro que nos rodea. La conversación con Sergio Sánchez acerca de esta publicación, y en general sobre la influencia del legado de Pauline Oliveros, se complementa con la escucha de fragmentos de dos obras de la autora estadounidense ("Big Mother is Watching You", de 1966, y "Poem of Change", de 1988 -obra que recuperamos de la antología titulada "Lesbian American Composers"-), así como con una muestra del trabajo como artista sonoro de nuestro invitado, Sergio Sánchez (en este caso bajo el pseudónimo Jazznoize), titulada "Abismo concreto" -que extraemos de otra compilación, correspondiente al proyecto "Sound-In 2012"-.

Dialogamos con Rebecca Collins, artista e investigadora que explora de forma práctica y teórica el arte sonoro en su intersección con las artes escénicas. Su trabajo se centra en las relaciones que se cultivan entre lo social, lo político y lo cultural. Collins es doctora en Cultura Visual por la Universidad de Aberystwyth (donde defendió la tesis titulada "On Becoming Audience: Performing Aural Attention"). Su primer libro, "Necessary Note: A Sonic Detective Novel" (publicado en 2019 junto a Johanna Linsley), utiliza la escucha y la ficción como métodos de investigación. Además de sus actividades artísticas y académicas, Rebecca Collins coordina la plataforma WISWOS (Women in Sound/Women on Sound), que investiga la desigualdad de género en el arte sonoro. Es miembro de ASAP (Association of the Study of the Arts of the Present), TAPRA (Theatre and Performance Research Association) y forma parte del equipo editorial de Interference. En la actualidad trabaja en la Universidad de Edimburgo, donde investiga y enseña cultural visual. Rebecca Collins es también parte de P.I.C.A (Programa de Imaginación Colectiva en procesos de Creación Artística), un proyecto ideado por Idoia Zabaleta y el equipo de Azala (espacio de creación ubicado en la población de Lasierra -Vitoria-). En esta edición de Ars Sonora nos centramos en uno de los proyectos recientes de nuestra invitada, iniciado en 2014 junto con Johanna Linsley. "Stolen Voices" ("Voces robadas",   ) nos propone imaginar el espacio público como una construcción parcialmente ficticia, a la manera de una historia de detectives que se hubiera hecho añicos. Continuando ese juego entre la realidad y la ficción, las dos responsables del proyecto -Collins y Linsley- visitan ciertos lugares para investigar lo que ha ocurrido, para después compartir con diferentes artistas sonoros sus pesquisas, y proponerles la creación de obras que puedan reflejar -y, en su caso, hacer avanzar- esa investigación. Esta estructura ofrece la oportunidad de pensar, a través del sonido y sus escuchas, en esos espacios, en sus fronteras y en cómo cruzarlas, y también nos invita a reflexionar acerca de tecnologías perdidas, economías y formas de vivir que cambian con el paso del tiempo. El proyecto "Stolen Voices" asume diferentes manifestaciones, como talleres, exposiciones, publicaciones... También acaba de presentarse un conjunto de piezas sonoras -que pueden descargarse gratuitamente a través de la web   -, firmadas por los artistas Ode Aseguinolaza, Barrett's Dottled Beauty, Emma Bennett, Kitchen Cynics (Alan Davidson), Jan Mertens, Mariam Rezaei y Pete Stollery. Nosotros escuchamos, en nuestro monográfico, fragmentos de estos trabajos, mientras Rebecca Collins nos comenta la génesis de cada obra y el proceso propio de su elaboración. Una valiosa iniciativa que, al aunar con rigor la dimensión investigadora, el trabajo curatorial y la práctica artística, bien podría representar un modelo también en el contexto cultural hispano.

La influencia de Marcel Duchamp (1887-1968) no hace sino aumentar y reforzarse con el paso del tiempo en todos los ámbitos relacionados con el llamado arte contemporáneo, incluyendo desde luego lo que concierne al arte sonoro -entendido como forma extendida de concebir lo musical-. Por ello la reedición del volumen publicado inicialmente en 2012 por Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores con una amplia y cuidada selección de textos duchampianos representa todo un acontecimiento editorial. Este grueso libro -de unas seiscientas páginas-, agotado desde hace tiempo, reaparece ahora en las librerías, y nos invita a profundizar en el conocimiento de la obra y el pensamiento de Duchamp guiados por José Jiménez, uno de los mayores especialistas en el autor francés, responsable de esta compilación de textos profusamente anotados y analizados en un iluminador prólogo. En esta edición de Ars Sonora recorremos -manteniendo el citado libro como referencia- los principales aspectos de la vida/obra de Duchamp, particularmente en su relación con lo sonoro, en una conversación con el propio José Jiménez. Nacido en Madrid en 1951, cate­drá­tico de Esté­tica en la Uni­ver­si­dad Autó­noma de Madrid, crí­tico y comi­sa­rio de expo­si­cio­nes de arte con­tem­po­rá­neo, Jiménez también fue director del Instituto de Estética y Teoría de las Artes, así como del Instituto Cervantes de París, antes de ser nombrado Director General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Gobierno de España (cargo que ostentó entre 2007 y 2009). Como otra manifestación de la incontenible vocación duchampiana de José Jiménez, en estas semanas está coordinando el ciclo "Marcel Duchamp: arte y pensamiento", con el que se celebra el cuadragésimo quinto aniversario de la galería Fúcares, dirigida por Norberto Dotor ahora en Almagro (después de que conociera una prolongada e importante etapa en la ciudad de Madrid). Además de una exposición en homenaje a Duchamp, en Fúcares tendrán lugar una serie de conferencias (de Luis Francisco Pérez el 9 de noviembre, y de María Bolaños el 16 de noviembre), y el 23 de noviembre se celebrará una mesa redonda -siempre dedicada a rastrear la influencia de Duchamp- en la que participarán Isidoro Valcárcel Medina, Abigail Lazkoz y Raquel Algaba. Son numerosas y muy destacadas, pues, las resonancias del pensamiento y la obra de Duchamp en nuestros días, y por ello el cuidadoso trabajo de José Jiménez -por ejemplo, en lo que se refiere a la precisión terminológica respecto a algunos de los conceptos inaugurados por el artista- resulta especialmente importante y valioso, también a la hora de analizar la recepción de su legado en el dominio del arte sonoro. La conversación con José Jiménez se complementa con algunas audiciones de las obras musicales propuestas por el propio Marcel Duchamp, así como con una fragmentaria audición de los "36 Mesostics RE: and not RE: Duchamp" de John Cage, cuya relación con la obra de Duchamp -al igual que sucede con los artistas Fluxus, ZAJ, etc.- solamente queda aquí bosquejada, a la espera de una futura exploración, de nuevo en la complicidad de José Jiménez, en una próxima edición de Ars Sonora.