Ars sonora

Son muchas las energías, deseos, reivindicaciones, clamores... que han confluido una vez más en el Día Internacional de la Mujer. En este programa nos disponemos a continuar el excepcional impulso de la jornada del pasado 8 de marzo para reflexionar acerca del feminismo en su relación con las músicas experimentales y el movimiento asociacionista. Contamos para ello con la presencia de Estrella Sánchez García, filósofa, musicóloga, docente e integrante de la Junta Directiva de la asociación Mujeres en la Música. Este importante colectivo trabaja, desde su fundación en 1989, para potenciar y difundir el trabajo de las profesionales de la música de la actualidad y del pasado, sean éstas compositoras, intérpretes, investigadoras, gestoras, pedagogas, etc. A la presencia de Mujeres en la Música se une, en nuestros estudios, la de la AMEE (Asociación de Música Electroacústica y Arte Sonoro de España). En su labor de promoción y difusión de las creaciones de música experimental y arte sonoro en nuestro país, la AMEE es también muy consciente de las reivindicaciones que plantea el feminismo. Éstas suponen una especial preocupación y motivo de trabajo para su Junta Directiva, en cuya representación nos acompañan Anne-Françoise Raskin y Alberto García Aznar. Ambas asociaciones, de hecho, tienen un buen número de socias en común, y su concurrencia nos invita a seguir pensando acerca de los logros conseguidos, los retos del presente y los avances que aún están por llegar en la búsqueda de la igualdad de género (y sus manifestaciones concretas en los ámbitos musicales más próximos a un espacio como Ars Sonora). Conversamos, asimismo, acerca del significado y la importancia del trabajo en el contexto asociativo, así como de la creación de redes entre los distintos agentes que conforman el tejido artístico. Algunos resultados de todo lo anterior se hacen presentes en este programa a través de la escucha de diversos trabajos sonoros seleccionados conjuntamente por nuestras invitadas, y firmados respectivamente por Isabel Latorre –“For Pauline”–, Anna Bofill –“Alter alterae”–, Alejandra Hernández –“Vuelos (Recordando a Fidelia)”–, Diana Pérez-Custodio –“Si me juzgan las cortes de amor”–, María de Alvear –“Trueno”– y Ariadna Alsina –“L’air cassé de la carapace”–. También nos acompañan, a través de sus propias voces, las reflexiones de Isabel Latorre, Ana Margules y Diana Pérez Custodio.

Continuamos nuestro doble monográfico consagrado al compositor barcelonés José Luis de Delás, nacido en 1928 y fallecido hace sólo unos meses, el 21 de septiembre de 2018. En esta segunda parte comenzamos presentando un fragmento de su obra "Concetti (Música para Gesualdo di Venosa)", obra fechada entre los años 1974 y 1975. Como en el programa anterior, la escucha de una obra instrumental nos sirve para propiciar nuevas reflexiones acerca de la producción musical electroacústica de De Delás. Centramos después, en consecuencia, nuestra atención en "Aube", una de sus más logradas creaciones en este ámbito, fechada en 1970. Refiriéndose a esta pieza, así como a otras que José Luis de Delás compuso a partir de ese momento, el compositor José Luis Sánchez (quien estudió con De Delás durante los cuatro últimos años de la etapa de éste como profesor de composición en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares) escribe: "En estas obras, la electrónica (ya sea pura o como transformación de sonidos concretos) desempeña un papel muy importante. Están caracterizadas por el contenido de citas como elementos que articulan y polarizan el discurso sonoro. Sintomáticamente, un rasgo que tienen en común es que el final de estas piezas no tiene un carácter claramente afirmativo y en cierto modo triunfal, sino que parecen revelar el vago temor de que quizá no pueda conseguirse una sociedad realmente más justa y humana". En nuestro comentario sobre "Aube" (y, en general, sobre el trabajo de José Luis de Delás en este periodo) recordamos algunas palabras del director de orquesta -y gran cómplice y amigo del compositor barcelonés- Arturo Tamayo, principalmente a través de un texto recogido en el número monográfico dedicado a De Delás por la colección alemana "Musik-Konzepte" (dirigida por el teórico musical Heinz-Klaus Metzger y por el compositor y director de orquesta Rainer Riehn, ambos muy cercanos a nuestro protagonista), que fue traducido al castellano y publicado por el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares. Concluimos, tras recordar otros pasajes de la compleja biografía de José Luis de Delás, escuchando su obra "Cinco Sellos", para nueve instrumentos y cinta, de 1972. Cerramos así, siquiera momentáneamente, este homenaje a una importante figura, aún no suficientemente conocida -ni mucho menos reconocida- en un panorama cultural que, confiamos, algún día consiga ser más generoso con aquellos compositores que siempre lucharon por la coherencia entre su discurso musical, su pensamiento teórico-político, y todos los actos -grandes y pequeños- que formaron su vida.

Iniciamos aquí un doble monográfico consagrado al compositor barcelonés José Luis de Delas, nacido en 1928 y fallecido hace sólo unos meses, el 21 de septiembre de 2018. En esta primera parte recordamos, junto con algunos momentos destacados de su biografía, sus importantes aportaciones en el terreno -desde luego- de la composición, pero también en el ámbito de la docencia, la dirección de orquesta, la difusión cultural y, muy especialmente, la reflexión estética y política (que siempre fueron de la mano a lo largo de toda la coherente trayectoria de quien fuera maestro de varias generaciones de compositores). Exiliado en Alemania ya a temprana edad, José Luis de Delás nunca perdió el contacto con su Barcelona natal. Y, desde 1993, su labor docente en el ámbito del Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares le permitió retomar el contacto con los jóvenes músicos españoles. Allí transmitió muchos de los aprendizajes cultivados por De Delás en el ámbito germánico, destacadamente aquellos relacionados con el pensamiento filosófico de la Escuela de Frankfurt, y en particular el de Theodor W. Adorno. En este doble monográfico nos centramos en la producción electroacústica de José Luis de Delás, pero iniciamos nuestras audiciones con un fragmento de la obra orquestal "Al sonoro cristal, al cristal mudo", de 1994, que recuperamos en la versión en directo del estreno -realizado en el contexto del ya extinto Festival de Alicante- por la Basel Sinfonietta, dirigida por Arturo Tamayo (gran especialista en la obra del compositor, y amigo personal de éste). Después exploramos el contexto de la composición "Eilanden", para percusión, clarinete, celesta, arpa, guitarra, cémbalo, violines, viola y harmoniun, además de la cinta magnética. Este trabajo, fechado en 1967, refleja algunas de las constantes estéticas e ideológicas propias del pensamiento competitivo de José Luis de Delás, por lo que representa una perfecta vía de entrada en la poética de este autor, cuya desaparición continuamos lamentando.

Dedicamos monográficamente nuestro espacio a la exposición titulada "El giro notacional", que se presenta desde el pasado 26 de enero hasta el próximo 15 de septiembre de 2019 en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León). Conversamos con los dos comisarios de la muestra, José Iges (artista sonoro y fundador de Ars Sonora en 1985) y Manuel Olveira (Historiador del Arte -además de licenciado en Bellas Artes y doctor en Educación Artística- y actual director del MUSAC). Juntos desgranan los matices del discurso expositivo de este ambicioso proyecto, que ha reunido trabajos de una plétora de artistas: Francesc Abad, Ignasi Aballí, José Luis Alexanco, Alain Arias-Misson, Armadanzas (Paz Brozas y Víctor Martínez), Elena Asins, Manuel Barbadillo, Llorenç Barber, Cristina Barroso, Ricardo Bellés/José Iges, Cathy Berberian, Josep Lluis Berenguer, José Manuel Berenguer, Denys Blacker, Jaap Blonk, Peter Bosch/ Simone Simons, John Cage, Cornelius Cardew, José Luis Castillejo, Merce Cunningham, Darío Corbeira, Analivia Cordeiro, Philip Corner, Carlos Cruz De Castro, Maria Escribano, Pelayo Fernández Arrizabalaga, Esther Ferrer, Giovanni Fontana, Terry Fox, Laura Gibellini, Yolande Harris, Barbara Held/ Benton C Bainbridge, Joël Hubaut, Concha Jerez, Tom Johnson, Manuel Jular, Mauricio Kagel, Nader Koochaki, Elena Lavellés, Le Corbusier, Lugan, José Maldonado, Walter Marchetti, Abel Martín, Josep Maria Mestres Quadreny, Julie Mehretu, Phill Niblock, Pauline Oliveros, Luis de Pablo, Tatiana Parcero, George Perec, Ximena Pérez Grobet, Miguel Ángel Rego, Inken Reinert, La Ribot, Alyce Santoro, Eusebio Sempere, Álvaro Terrones, Valcárcel Medina, Jesús Villa Rojo, Christian Wolff, Iannis Xenakis y Zaj. En palabras de los comisarios, "(e)l objetivo de la exposición es mostrar una serie de prácticas creativas relacionadas con sistemas notacionales que permiten codificar formas para 'escribir', representar e indicar lenguajes que traducen la realidad, traducir lenguajes entre sí o ser descodificados e interpretados. Son, pues, unas 'herramientas' para representar, traducir y codificar territorios de todo tipo: físicos, geográficos, mentales, emocionales, sociales, conceptuales, lingüísticos, etc. que se articulan como modos de representación y de expresión de sonidos, movimientos, espacios... pero con un giro que los aleja de la mera notación convencional". La conversación con Iges y Olveira repasa los cinco bloques temáticos que articulan la muestra: las notaciones relacionadas con lo musical y lo sonoro, las notaciones cinéticas del movimiento, las notaciones cartográficas y espaciales, las notaciones del cálculo y la ciencia y, por último, las notaciones del pensamiento. Otros temas emergen en este diálogo, como la actual efervescencia, en el contexto museístico, de todo aquello relacionado con las artes escénicas o "vivas", o -en estrecha relación con lo anterior- la búsqueda de nuevos formatos y formas de contacto con el público que los centros de arte contemporáneo -como el MUSAC- están buscando en los últimos tiempos. Como apropiado complemento de esta entrevista, escuchamos algunas obras de autores presentes en "El giro notacional", como "Aronada" (de Josep Mª Mestres Quadreny), "Stripsody" (de -y con- Cathy Berberian), "Taking Soundings" (de Yolande Harris), "Ludus Ecuatorialis" (de José Iges y Ricardo Bellés), "Menaje" (de Carlos Cruz de Castro) y dos fragmentos de "Automatic Music" (obra firmada por Tom Johnson), titulados "Canon" "y "Symmetry".