Ars sonora

Si bien la actual crisis sanitaria motivada por el virus COVID-19 ha obligado a cancelar la mayor parte de actividades previstas en la programación de la muestra de arte sonoro e interactivo In-Sonora 11, en esta conversación con Maite Camacho -directora y comisaria del proyecto-, grabada con anterioridad a dicha crisis, se repasan los contenidos originalmente preparados dentro de la misma. Recogemos aquí íntegramente este diálogo, que en todo caso sirve como reflejo del esfuerzo organizativo desarrollado durante los meses anteriores, y como homenaje a los artistas e instituciones que también participaron de todo ese trabajo. La celebración de In-Sonora 11 debía desarrollarse en Madrid entre el 9 y el 22 de marzo de 2020, y el evento contemplaba -como en las anteriores ediciones, que hemos venido presentando puntualmente en Ars Sonora- instalaciones sonoras, sesiones de experimentación audiovisual, performances, propuestas de escucha atenta e inmersiva y net.art, entre otras manifestaciones que incluían, igualmente, espacios de encuentro, colaboración y aprendizaje colectivo. Entre los artistas participantes figuraban españoles como Eli Gras, Xoán-Xil López, Laura Netz o Enrique Tomás, así como otros creadores procedentes de países como Canadá (Alexis Langevin-Tétrault), Estados Unidos (Elizabeth Withstandley) o Taiwan (Wu Siou Ming). También destacaba la fuerte presencia de artistas de países latinoamericanos, como André Damião, Estefanía Santiago, Claudio Merlet o Aurora Esteve. Entre las sedes de In-Sonora 11 figuraban instituciones como Réplika Teatro, Casa Banchel, Cruce, Aspa Contemporary, el IED Madrid o Medialab-Prado, entre otras que también se detallan en nuestro diálogo con Maite Camacho. In-Sonora 11 volvía a apostar por el incentivo directo a la producción y experimentación artística con su programa de residencias en Medialab-Prado, institución que acogió -hasta cuando fue posible- a los artistas Xoán-Xil López y Horacio González, quienes desarrollaron allí su proyecto «KRYSTALLOS» (una instalación sonora basada en los compuestos cristalizados y su relación con la tecnología holográfica). Entre las piezas acusmásticas seleccionadas para la programación de In-Sonora 11 figuraban trabajos de Mattia Benedetti, Raphaële Dupire, Omer Goldberg, José María Herrera Venditti, Eduardo Palacio, Juan José Raposo, Mauricio Rivera y Antonio Rocha. En nuestro programa escuchamos algunas de estas obras, confiando en que muy pronto puedan volver a sonar en formato de concierto público, como estaba previsto.

Continuamos nuestro diálogo con Coral Nieto, investigadora en el parisino Centre for Art and Languages de la École des Hautes Études en Sciences Sociales (CRAL-EHESS), así como en la Escuela de Doctorado de la Universidad de Girona, bajo la dirección de Annick Louis y Carmen Pardo, respectivamente. Su estudio aborda una rama de la poesía sonora francesa contemporánea que manifiesta el devenir sonoro del texto y del lenguaje. Una reflexión desde el sonido, como territorio interno expresivo y campo de investigación, implica una dimensión material de la poesía que defiende la lengua como material poroso que obra y se abre, y que al hacerlo desborda el lenguaje. Esta apertura de la voz se manifiesta mediante una oralidad electroacústica, que intenta superar la noción restrictiva de “poesía sonora” en favor de la phoné -fenómeno sonoro y lingüístico- en su acontecer y no como herencia postvanguardista, refiriéndose así tanto un “objeto sonoro” como a un “objeto de lenguaje”. A lo largo de este doble monográfico de Ars Sonora, Coral Nieto presenta el trabajo de ciertos autores que componen el cuerpo de estudio de su tesis doctoral (Anne-James Chaton, Jean- Michel Espitallier, Jérôme Game, Olivier Cadiot…). Todos ellos forman parte de una misma red literaria surgida en los años ochenta del siglo XX en la escena francesa, configurando un momento “post-poético” y “transgenérico”. Con una voluntad de repensar las categorías y las clasificaciones, así como de liberar al objeto de todo discurso metafísico para estudiarlo en su materialidad misma, se agrupan en torno a nuevas revistas, editoriales y escenas de enunciación. Esta escena dialoga con compositores de la segunda mitad del siglo XX e inicios del XXI, desde la música concreta, acusmática y experimental a la minimalista o el rock progresivo (Pierre Schaeffer, Bernard Heidsieck, Steve Reich, John Giorno, Luc Ferrari, Rodolphe Burger, Alva Noto…). En esta segunda emisión, si bien presentamos unas prácticas contemporáneas no categorizadas propiamente como poesía (sino, más bien, y según cada caso, como ópera, arte radiofónico, performance…), éstas acusan puntos comunes de reflexión: una voluntad por cuestionar las fronteras de lo lírico, por repensar los desafíos de la voz en un desarrollo constante de la lengua y del lenguaje, y por buscar nuevos espacios de enunciación. Analizamos estas posibilidades desde la escucha de trabajos de autores como Violaine Louchu, Laurie Anderson, René Lussier, Pierre Jodlowski... En todos ellos se evidencia un deseo, en ciertas ocasiones frustrado o quebrantado, por ir al encuentro de lo “poli-” como parte de la naturaleza intrínseca de una “voz-relación” (tal y como la define Serge Martin): se trata de “objetos” polirrítmicos, polifónicos y poliperspectivistas. La literatura, cuyo material principal es el lenguaje, se encuentra aquí sometida a un continuo proceso de apertura, reformulación y reapropiación según las necesidades de cada autor y del contexto en el que se despliega su “objeto”. Cada uno se dispone a “fabricar” su propia literatura en función de la relación que éste entreteje con el lenguaje y con la lengua: la exploración del signo lingüístico, en términos sonoros y materiales, pasa por la mutación del grafema en fonema y viceversa. Con un lienzo de escritor, estos autores escriben “música” manteniendo los ritmos literarios y haciendo uso de memoria de la “voix parlée”. Así pues, la forma termina por ser la que afina el sentido una vez que el fondo alcanza la superficie en un proceso constante de transformación y expansión. En este sentido, la voz, mediatizada en términos de amplificación, modulación, desmultiplicación, variación, filtraje, etc., se transforma en materia de composición rica en accidentes, al mismo tiempo que la música, reaccionando y dialogando con la oralidad rítmica y la tonalidad, se convierte en terreno sensible y semántico. La apertura de la voz, y con ella el despliegue de la forma y del sentido, requiere una nueva acción de la escucha que termina por definir la naturaleza misma del poema. Al considerar el lenguaje como un objeto sonoro, es la oreja del auditor/espectador la que se enfrenta al proceso mismo de su constitución, fabricando nuevas significaciones y reescribiendo el objeto. Con todo, la voz, deslizándose en nuevos ambientes sonoros contemporáneos a su época, se convierte en proceso de comunicación e índice de advenimiento de lo real.

Dialogamos con Coral Nieto, investigadora en el parisino Centre for Art and Languages de la École des Hautes Études en Sciences Sociales (CRAL-EHESS), así como en la Escuela de Doctorado de la Universidad de Girona, bajo la dirección de Annick Louis y Carmen Pardo, respectivamente. Su estudio aborda una rama de la poesía sonora francesa contemporánea que manifiesta el devenir sonoro del texto y del lenguaje. Una reflexión desde el sonido, como territorio interno expresivo y campo de investigación, implica una dimensión material de la poesía que defiende la lengua como material poroso que obra y se abre, y que al hacerlo desborda el lenguaje. Esta apertura de la voz se manifiesta mediante una oralidad electroacústica, que intenta superar la noción restrictiva de “poesía sonora” en favor de la phoné -fenómeno sonoro y lingüístico- en su acontecer y no como herencia postvanguardista, refiriéndose así tanto a un “objeto sonoro” como a un “objeto de lenguaje”. A lo largo de un doble monográfico de Ars Sonora, Coral Nieto presenta el trabajo de varios de los autores que componen el cuerpo de estudio de su tesis doctoral (Anne-James Chaton, Jean-Michel Espitallier, Jérôme Game, Olivier Cadiot…). Todos ellos forman parte de una misma red literaria surgida en los años ochenta del siglo XX en la escena francesa, configurando un momento “post-poético” y “transgenérico”. Con una clara voluntad de repensar las categorías y las clasificaciones, así como de liberar al objeto poético de todo discurso metafísico para estudiarlo en su materialidad misma, estos poetas se agrupan en torno a nuevas revistas, editoriales y escenas de enunciación. Esta escena dialoga con diversos compositores de la segunda mitad del siglo XX e inicios del XXI, desde la música concreta, acusmática y experimental a la minimalista o el rock progresivo (Pierre Schaeffer, Bernard Heidsieck, Steve Reich, John Giorno, Luc Ferrari, Rodolphe Burger, Alva Noto…). En esta primera emisión se presenta la sinergia entre ambos campos de acción desde finales de los años cuarenta del pasado siglo, momento en el que la práctica vocal se fusiona con una investigación eléctrica del sonido en sus cualidades acústicas y sensibles. De esta confluencia surgen diferentes relaciones que conformarán esos “objetos” que se resisten a ser nombrados (Objets Verbaux Non Identifiés). Revisar las diferentes modalidades en las que la poesía y la música se encuentran conduce a un análisis crítico del (no-)lirismo contemporáneo, así como de la suspensión de la representación, puesto que lo expresado no se deja abordar ya como objeto representado. De este modo, el texto se convierte en pretexto sonoro y la voz en material, timbre y cuerpo del sujeto.

La publicación como libro de "Zaj. Historia y valoración crítica" -el trabajo que Llorenç Barber realizó en 1978 como tesina al término de su licenciatura en Historia del Arte- constituye una importante aportación al panorama literario acerca del más importante grupo artístico español de la segunda mitad del pasado siglo. Muchas son las cuestiones -todavía polémicas, en varios casos- que ese texto, leído desde la perspectiva actual, sigue planteando. Por ello dedicamos monográficamente nuestro espacio a su examen, contando para ello con su autor, Llorenç Barber, así como con el filósofo, ensayista, comisario y crítico de arte Fernando Castro Flórez, quien además se ha encargado de la edición del texto como director de la colección Ad Hoc del Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo (CENDEAC) de la Región de Murcia. Entre los temas que se suceden a lo largo de este diálogo figura, en un lugar destacado, la valoración de la figura de Juan Hidalgo no solamente en el contexto del grupo Zaj, sino -más ampliamente- en el panorama musical y artístico español e internacional durante las últimas décadas. Similares reflexiones se proyectan respecto de otros artistas, como Walter Marchetti, Ramón Barce o Esther Ferrer. El análisis de la influencia de John Cage en Europa, especialmente desde su paso por los Cursos de Verano de Darmstadt en 1958, sirve para contextualizar los orígenes de un movimiento artístico, Zaj, directamente conectado con Fluxus. Centrándonos en la génesis del libro que presentamos, también rememoramos los primeros contactos de Llorenç Barber con Zaj, a través de su descripción del concierto que le permitió conocer a Juan Hidalgo y a Walter Marchetti. Más tarde trabó contacto con Ramón Barce, Esther Ferrer y otros artistas vinculados al grupo, lo que sirvió para nutrir de contenidos la memoria de licenciatura que, transformada en libro, llega ahora al público general. Otro aspecto discutido durante la conversación se refiere a la ausencia de referentes generacionales que, en el contexto artístico español de los años sesenta y setenta, pudiese haber servido para orientar a los entonces jóvenes artistas y músicos. Partimos para ello de una frase del profesor Simón Marchán Fiz, procedente del texto titulado “Después del naufragio...”, publicado en el catálogo de la exposición "Fuera de Formato" (comisariada por Concha Jerez y Nacho Criado, y presentada en el Centro Cultural de la Villa de Madrid en 1983): "¡Lástima que entre nosotros no podamos echar mano de algún Beuys, es decir, de alguna figura de transición entre actitudes contrapuestas! Nuestra cultura de aluvión está marcada por sucesivas rupturas generacionales de gran brusquedad". Con esta afirmación en mente, tanto Fernando Castro como Llorenç Barber presentan sus respectivas consideraciones sobre el artista de origen alemán, pero asentado en España, Wolf Vostell. Todas estas intervenciones se complementan la audición de una serie de fragmentos musicales relacionados con los argumentos presentados: "Tamarán (gotas de esperma para doce pianos de cola)", de Juan Hidalgo; "Ryoanji", de John Cage (en la versión de Stefano Scodanibbio); "Oír campanas" (fragmento de "Tintinábula"), de Llorenç Barber; "Natura morta", de Walter Marchetti (en la interpretación de Giancarlo Cardini al piano); "Elektronischer de-coll.age. Happening Raum", de Wolf Vostell; "Coral hablado (a Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti)", de José Iges; y "Al ritmo del tiempo", de Esther Ferrer.